Marilene Ribeiro
septiembre-octubre 2012

Estudió Bellas Artes en  la Universidad Federal de Minas Gerais y en el Central Saint Martin’s College de Arte y Diseño de la Universidad de Artes de Londres, trabaja como fotógrafa en el Instituto Biotrópicos de Brasil desde 2005, es miembro de “Agnitio – intervenção através da fotografia”, un colectivo que imparte talleres de fotografía para gente con riesgo de exclusión social del estado de Minas Gerais. Ha participado en diversos proyectos artísticos y exposiciones en Brasil y en el Reino Unido, y ha publicado sus fotografías en diversas revistas, periódicos y catálogos. Su trabajo artístico se centra principalmente en el concepto de retrato, identidad y realidad.

 más sobre su proyecto en Can Xalant >

Laia Solé
junio-julio 2012

Artista visual y profesora agregada a la UVic, actualmente cursa el doctorado en Arte y Educación en TC, Columbia University. Interesada en las dinámicas del espacio urbano, sus formas de representación, interacción y transformación. La mayoría de su trabajo es “site specific” y ha sido desarrollado a través de diferentes medios como el video, la fotografía, la instalación , el performance o la edición.

El proyecto que desarrolló durante su residencia en LABMIS “Chromakeying” es un trabajo sobre la percepción del espacio urbano, inspirado en el mundo del ilusionismo -los trucos, escamoteos, apariciones…que se desarrollaron en los orígenes del cine – y en la tradición del “site specific art”.

Chromakeying juega con los dos reversos de la imagen: lo ilusorio (la apariencia, el spectrum) y lo “indicial” (el referente, la realidad). Se trata aquí de evidenciar y cuestionar las formas del espacio urbano, haciendo aparecer y desaparecer algunos de sus dispositivos.

 http://www.laiasole.net/

El Laboratorio Desvelar–Desenterrar–Desocultar es un proyecto de producción e investigación artística desarrollado conjuntamente entre El Levante (Rosario, Argentina), LAALvaca (Puebla, México) y Can Xalant (Mataró, España),con el objetivo de  reflexionar sobre los diferentes significados que estos conceptos adquieren  en cada contexto. La investigación propuso incorporar al laboratorio colaboradores y participantes locales de cada lugar para posteriormente  poner en común los proyectos desarrollados. El resultado es un compendio colectivo que incluye la realización de una publicación “expandida” como  primer dispositivo para ensayar nuevos formatos de intercambio en el espacio expositivo.

Las actividades realizadas en el Levante fueron:  “Proyecciones y debates”,  presentando trabajos de  Federico Geller, Juliana Cagrandi y Pablo Romano; el “Taller de  elaboración de imágenes de la ciudad” , junto con la Asociación  C.H.I.C.O.S. y la residencia de los artistas colombianos  Angélica Mercedes Castro y Felipe Cortés.

Desde LAALvaca se propuso al diario La Jornada de Oriente publicar semanalmente una serie de ensayos escritos por reconocidos artistas visuales e investigadores (Fabián Valdivia, el Colectivo Metropolitano, el periodista Guillermo Rivero, el semiólogo Iván Ruiz, el artista Hernaín Bravo y la historiadora del arte Montserrat Gali Boadella), sobre aspectos de la ciudad de Puebla que no son de conocimiento público.

Can Xalant presenta tres proyectos realizados en el centro durante los dos últimos años: Mapa de Mataró (proyecto de Rogelio López Cuenca realizado junto a Roser Caminal, Ismael Cabezudo, Laura Marte, Cecilia Postiglioni, Daniela Ortiz y Anna Recasens); CAPS.A. 9: Grafies (J.M. Calleja, Jordi Cuyàs y Jaume Simon) y el Taller Desapariciones. Memoria histórica y acción cultural local, dirigido por Sitesize con la producción de la Fundació Palau y Can Xalant y la participación de Borja Fermoselle, Constanza Geise, Miquel García, Salud López, Anna Recasens, Miriam Ron y Bárbara Sánchez.

más sobre la exposición del proyecto en el centro Cultura Chacao de Caracas, Venezuela>
más sobre los laboratorios Redesearte Paz>

Es licenciada por la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires y técnica superior en Artes Plásticas por la Escuela Llotja de Barcelona. Su obra gira en torno al espacio urbano entendido como un espacio de identificación colectiva en constante cambio y construcción. El resultado de su trabajo fue el proyecto Un lugar en el mundo, que consistió en recorrer las escuelas de calle de Dakar y realizar un intercambio con los niños que asisten a ellas.

Más sobre el proyecto (PDF)>

Abdoul Aziz Cissé
enero-febrero 2008

Estudió en la Escuela Nacional de Artes de Dakar y en el Centro de Comunicación Daniel Brottier de Saint-Louis. Desde principios de la década de 2000 se ha especializado en la realización de documentales (cortos, medios y largometrajes), destacando el documental La Brèche (2007), Gran Premio de Cortometraje y Mención Especial del Jurado en Rencontres Cinématographiques de Cerbère (Francia) en 2007, y Mejor Película y Mejor Documental en el Festival du Film de Quartier de Dakar en 2007. Cissé apuesta por un cine que hable de la verdadera África -y no de los clichés sobre la miseria y el hambre del continente-, y por el apoyo al cine nacional como herramienta de formación y educación.

Durante su estancia en Can Xalant realizó el proyecto documental El Faro, sobre la vida de los inmigrantes africanos en Catalunya a partir de testimonios que cuentan las circunstancias por las que emigraron, las condiciones de vida desde su llegada y la percepción que se tiene del continente africano desde Europa.

Estudió en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona y desarrolla procesos creativos en distintos formatos, aunque recientemente se ha centrado en trabajos contextuales y sociales. Entre sus últimos proyectos destacan Sundaying city presentado en la exposición Post-it. Ciutats ocasionals (2008), el vídeo Fat girls stay single (2008) y el ensayo crítico Street signs para la revista de Sociología de la Universidad de Londres.

Domingos de azul y amarillo. Recorridos “canaya” de Rosario, es el proyecto documental que realizó durante su estancia en el centro El Levante. A partir de dos ideas previas –la pertenencia a un grupo concreto y los usos del espacio público- y tomando como modelo de estudio al grupo “hinchada canaya” (los seguidores del Club de fútbol Atlético Rosario Central) que abarca diferentes estratos sociales y que se caracteriza por sus acciones en el espacio público, tanto por temas deportivos como por temas sociales, realizó un mapeado de la ciudad con el objetivo de mostrar la ciudad vivida como experiencia real frente a la imagen de ciudad como marca que ofrece la municipalidad.

Texto para descargar (PDF):
“Domingos de azul y amarillo. Recorridos “canaya” de Rosario”, Roser Caminal. 

Cecilia Font
junio-julio 2008

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Nacional de Rosario, desarrolla procesos artísticos en diferentes formatos, centrando parte de su producción en trabajos de tipo contextual o social. Concibe la práctica artística como un movimiento capaz de construir vínculos de convivencia y establecer redes, de intervenir activamente en el espacio habitado colectivamente. Durante su estancia en Can Xalant trabajó en el desarrollo de estructuras ligeras, móviles y adaptables a diversos entornos, con la capacidad de alojar eventos efímeros, creativos y lúdicos en el espacio público, en forma individual o colectiva.

Centra su producción en la creación de prototipos plegables que, como una extensión del cuerpo, puedan desplegarse adoptando diferentes formas y funciones. Traza patrones y diagramas geométricos que en forma de mapas indican las ondulaciones del territorio, sus valles y montañas, codificante de esta manera el sentido de los pliegues a realizar.

Todos los patrones desarrollados se homologan a estructuras epidérmicas, con sus diferentes grados de flexibilidad y adaptabilidad, con la capacidad de volver a su estado original después de haber adoptado diferentes posiciones, conservando de alguna manera la memoria de las acciones que se ejercen sobre él. Estos patrones doblados sobre sí mismos finalmente adquieren formas que se asemejan a nidos y capullos. Modulan el espacio siendo emplazados individualmente o conectados entre sí.

Los diagramas y prototipos fueron realizados en papel y polipropileno y parte de la moldura se elaboró con material vinílico rechazado proveniente de la publicidad.

Licenciado y Profesor en Bellas Artes por la Facultad de Humanidades y Artes de la Universidad Nacional de Rosario, Argentina. Desde 1995 ha trabajado en colaboración con artistas, técnicos y activistas en Argentina y España en acciones estéticas vinculadas al espacio público y los medios de comunicación, investigando las formas de construcción del software libre y buscando analogías con el campo de las artes plásticas.

Durante su estancia en Can Xalant, desarrolló su proyecto Sincita Mataró, que consistió en buscar fragmentos de textos de la blogosfera y localizaciones en la ciudad para instalarlos en forma de letrero. Estas localizaciones surgieron de la relación que mantuvo con diferentes ciudadanos de Mataró. Así pues, trasladó los fragmentos de textos de blogs, –rotulados manualmente– y los instaló en espacios urbanos de Mataró. Finalmente, a través de fotografías que documentaban estas instalaciones, los textos fueron devueltos a la blogosfera.

http://soyfaca.com.ar/

Vicente Vázquez
mayo-junio 2009

Técnico superior en Grafismo y Publicidad y estudió Bellas Artes en la UCLM, Universidad de Castilla-La Mancha, en Cuenca. Forma parte del colectivo weareQQ.

Durante el intercambio, el artista realizó el proyecto You Kant Max Mix, un proyecto de colaboración basado en grabar nuevos remixes sobre el Max Mix 5, las primeras cintas de mixes editadas en Barcelona por Max Music Productions en los 80. Utiliza como base una de las primeras cintas de re- mezclas editadas en España para volver a mezclar modificando la composición original del Max Mix 5 aportando nuevos beats, sonidos, en la pista de audio original y difuminando la idea de autoría en unas prácticas más colectivas.

You Kant Max Mix tiene como telón de fondo una reflexión sobre los derechos de autor, los nuevos soportes digitales y de su gradual y cautelosa formalización hacia la estridente “Ley del Canon”. La pá- gina web es un blog donde se incorpora información relevante para el proyecto. Hasta ahora se han subido tanto noticias de actualidad que conciernen al conflicto de gestión de derechos, a la cultura del remix así como aberturas a prácticas musicales cuyas economías ejemplifican alternativas viables al modelo actual de producción y distribución dominante.

http://weareqq.com/

Arquitecto por la Universidad Técnica Federico Santa María de Chile, es miembro del colectivo Arquitectura Disidente y fue editor del colectivo de estudiantes de arquitectura Criptonita. Editor del libro Propagaciones: exploración de Nuevos Escenarios y Campos de investigación tecnológica (2008), ha desarrollado investigaciones en el campo de la arquitectura, tales como “Exploración del software como instrumento de capitalización” (2008) y “Cubierta inteligente reactiva a estímulos ambientales “(2009), del Programa de Investigaciones Estudiantiles Académicas (PI> A) de la utfsm de Chile.

Durante su estancia en Can Xalant realizó el proyecto Cartografías sonoras como visualizacion de datos urbanos en Barcelona.

El Fórum de las Culturas en Barcelona supuso una serie de transformaciones sobre la trama urbanística de la ciudad y ha tenido una inserción fallida sobre la amalgama social existente, lo que queda ampliamente reflejado en los espacios públicos proyectados para el Fórum. Cartografías sonoras es un ensayo sobre el desarrollo de una metodología cartográfica que busca, mediante la visualización sonora del lugar, determinar la intensidad de usos en los espacios públicos desde el Fórum hasta el Parque del Besòs, enfrente del Barrio de la Mina.

http://arquitecturadisidente.wordpress.com

Pau Faus
agosto-septiembre 2010

Licenciado en Arquitectura Superior en la etsab, combina la labor profesional de arquitecto con la realización de diversos trabajos creativos y de investigación, centrándose en las dinámicas que conforman lo que entendemos por espacio público. Algunos de estos proyectos han formado parte de exposiciones en espacios como el cccb de Barcelona o La Panera de Lleida, otros son fruto de iniciati- vas personales o de encargos específicos desde ámbitos municipales o comisariados independientes. Publicó la Ciudad Jubilada, ha impartido talleres en Brasil y Argentina y ha realizado varias muestras y proyectos con Osservatorio Nomade.

Durante su estancia en Valparaíso realizó el proyecto La casa inacabada.

A partir de la premisa planteada por el Fórum de las Culturas que tuvo lugar en Valparaíso –ya que el casco antiguo de la ciudad fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la unesco, el eje central del Fórum fue la idea de “patrimonio”, desde una perspectiva turística y de mercado, sin contemplar las redes sociales que lo constituyen– el proyecto planteado partía de una necesidad para definir y encontrar manifestaciones patrimoniales en Valparaíso que rehuían estas lógicas hegemónicas. Así en el cerro Cordillera, ajeno a la turistificación de la ciudad, con una tipología de viviendas muy peculiar, se decidió intervenir en una de las casas y establecer los factores que determinan su morfología y las maneras de vivir. Se construyó una plataforma sobre la casa elegida, cuyo techo está a ras de calle y que se descuelga por el barranco en cuatro niveles diferentes: la casa es genealógica ya que su tipología se relaciona directamente con la historia de la familia; la casa crece a medida que lo hace la familia, y esta condición no se da en otros lugares y ciudades, se convierte en otro tipo de patrimonio.

http://www.paufaus.net
ver publicación del proyecto>

Artista y coordinadora del programa de exposiciones “la vitrina” del centro Lugar a Dudas, pertenece al colectivo de artistas El Camión, al colectivo Sangre de Palomo y es cofundadora del colectivo Casa Tomada. A finales de 2010 organizó la exposición La Rama Dorada en la Sala de Proyectos de Bellas Artes de Cali. Como artista desarrolla procesos en los que utiliza cualquier medio, objeto o situación para exponer sus ideas en torno al arte y su posición en el mundo, dejándose llevar por la necesidad y el azar.

Durante su estancia en Can Xalant, realizó un proyecto expositivo en forma de dibujos, objetos y fotografías generados durante el viaje y la estancia en el centro, que fue mostrado en el Espacio Can Xalant de Can Palauet e impartió una conferencia sobre el funcionamiento y las dinámicas del centro Lugar a Dudas.

Pilar Bonet
enero 2011

Aprovechando su estancia Cali, el espacio de Lugar a dudas ofrece un taller de tres sesiones audiovisuales y charlas de intercambio de experiencias sobre centros de creación y proyectos de intervención en el espacio público. Pilar Bonet historiadora y crítica de arte, profesora de arte y diseño contemporáneo en la Universitat de Barcelona y la Universitat Ramon Llull. Licenciada en Historia del Arte y en Historia Medieval, Universitat de Barcelona. Como profesora ha impartido docencia especializada en arte, arquitectura y diseño en varios cursos, seminarios y congresos. Profesora del master “Producción artística e investigación” en la Facultad de Bellas artes (UB), master “Análisis y gestión del arte actual” del Instituto IL3 (UB), master “Crítica y proyectos” (UPC), seminario “Los límites del Arte” (URV), jornadas “Ciudadanía y código abierto” QUAM 2010, taller “Bases del pensamiento crítico” del programa de estudios avanzados en arte contemporáneo A**STUDY, etc. Ha recibido varios premios y becas de investigación, el premio Beca Pilar Juncosa de la Fundación Miró de Palma y la Beca por la búsqueda fuera de Cataluña del departamento de Presidencia de la Generalitat de Cataluña, entre otros. Es comisaria de varias exposiciones de investigación histórica sobre arte español de vanguardia (Olga Sacharoff, Marià Andreu, De Sucre, ADLAN, Club 49) y múltiples dedicadas a artistas actuales (Carlos Pazos, Eugènia Balcells, Perejaume, Concha Jerez, Francesc Abad, Rogelio López Cuenca, etc). También ha realizado proyectos expositivos a partir de las obras de las colecciones del IVAM (El crítico ríe) y el MACBA (Espacios Obrados) y múltiples colaboraciones para varios museos, espacios de arte contemporáneo y certámenes culturales (Visiones de Futuro).

Es responsable del programa de arte contemporáneo del Patronato Municipal de Cultura de Mataró (1993-2000).

http://pilarbonet.com

Formado como pintor, a partir de 2000 empieza una serie de instalaciones, esculturas y videos que profundizan en las relaciones entre identidad/cuerpo/espacio. Recientemente ha realizado diversas intervenciones en el espacio urbano y videos sobre cuestiones sociales. Ha participado de eventos como la 3a Bienal do Mercosul (Porto Alegre), la Bienal do Barro de São Paulo, la Bienal de Valencia, y también de festivales como el Festival Internacional Videobrasil o el Festival de Cine Latinoamericano de São Paulo y ha expuesto en el Museo de Arte Sacra de Bahía, el centro de arte y media ZKM (Alemania) y en otras ciudades sudamericanas como Maracaibo (Venezuela) o Quito (Ecuador).

Durante su estancia en Can Xalant realizó dife- rentes videos y fotografías relacionados con el entorno del centro y la gente que desarrolla diferentes actividades en él.

Jordi Mitjà
julio-agosto 2010

El trabajo de Jordi Mitjà, formalmente heterogéneo, de factura conceptual, encuentra sus fuentes en imágenes de la vida cotidiana que el artista registra continuamente. Colecciona experiencias, imágenes, inventa situaciones, indaga en archivos, y propone acciones para examinar las reacciones humanas más simples frente a situaciones imprevistas. Extrae e inventa a partir de la realidad, bien a través de un tratamiento fílmico, bien creando publicaciones u objetos, sus propuestas suscitan cuestiones sobre el individuo, los comportamientos sociales y el arte.

http://www.jordimitja.com/

Durante los meses de junio-julio la artista brasilera Denis Agasi residió en Can Xalant fruto de un convenio con el MIS (Museu de la Imatge i el So) de São Paulo, para desarrollar su proyecto Monument on line.

Página de la artista y de su experiencia en Can Xalant:
http://deniseagassi.wordpress.com/exposicoes/can-xalant-2011residencia-artistica/ 

Octavi Comeron
julio-agosto 2011

Con el proyecto : “Tiene que parecer lo más natural del mundo” (It Has to Look As If It Was the Most Natural Thing).
http://www.octavicomeron.net/

Crítica de Arte y comisaria independiente es licenciada en Bellas Artes y master en Comunicación y Crítica de Arte por la Universidad de Gerona. Ganadora del Premio Espais 2002 de la Critica d’Art, combina sus colaboraciones habituales en el suplemento Cultura/s de La Vanguardia, con artículos y tiras cómicas para otras publicaciones y fanzines y apariciones en radio y televisión (Paramount Comedy). Como comisaria, sus proyectos se caracterizan por abordar cuestiones relativas al análisis de la imagen audiovisual, la cultura popular, y la disección crítica de los mecanismos de funcionamiento del arte contemporáneo. Mery Cuesta dibuja historietas desde hace aproximadamente 3 años. Su cómic más popular Caída y auge de Antxon Amorrortu (Ed. Iguapop Gallery) es una sátira sobre el funcionamiento del arte contemporáneo. Así mismo, publica tiras cómicas del personaje Merycuestasuperheroína para la revista TMEO. El proyecto para la residencia en Platform Garanti se centró en el análisis del cómic como dispositivo crítico, e investigó las formas de producción y distri- bución de cómics y fanzines en Estambul. Esta investigación, culminó con el libro de cómic Istanbul Zombie 2066.

www.merycuesta.com
 

-El cómic como dispositivo crítico-
El proceso de dibujar una historieta es, para mí, un ejercicio discursivo de libertad que al mismo tiempo engloba la dificultad de combinar texto, imagen y diseño. Esta complejidad, en cambio, constituye un lenguaje en el que creo firmemente como una magnífica y adecuada opción para transmitir discursos críticos y ensayísticos.
Turquía tiene una larga y rica tradición de dibujantes y caricaturistas satíricos, muy críticos con la actualidad política. El circuito de distribución y la impresión de estas sátiras es muy peculiar, por los métodos de organización de los colectivos de dibujantes y por el riesgo político que asumen, así como por la economía de producción y la periodicidad vertiginosa con la que imprimen. La acogida del trabajo de estos caricaturistas es, además, tremenda. Calurosa… 150.000 ejemplares por número.
Istanbul Zombie 2066 contará con la colaboración de varios dibujantes turcos que trabajan en diversas publicaciones (Penguin, Lombak…). Ésta será la primera ocasión en la que dibujantes de cómic de diferentes revistas turcas colaboran juntos para una publicación conjunta. Istanbul Zombie 2066 abor- da las formas de producción de cómic en Estambul, pero más allá, también reflexiona sobre las formas que están desapareciendo en el proceso de europeización de la sociedad turca, incidiendo de manera humorística en algunos aspectos de su cultura popular, como sus estereotipos castizos de sus ídolos de la canción tradicional o la sorprendente ausencia de la figura del zombi en películas y cómics.

Mery Cuesta

Erkan Özgen
septiembre-octubre 2008

Artista y comisario de exposiciones, es licenciado por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Cukurova, Adana, de Turquía. El trabajo de este artista de origen kurdo emerge principalmente de su condición de individuo proveniente de una tierra oprimida, el Kurdistán turco, y recurre al uso del lenguaje artístico, mediante vídeos o fotografías, para abrir una rendija en lo que él denomina pantalla de coacción y restricción. Durante su estancia en Can Xalant, el artista realizó el vídeo Origin, en el cual escenifica una marcha militar con inmigrantes africanos residentes en Mataró, mientras cantan una canción típica que hace referencia al orgullo de ser turco. Una metáfora sobre su propio sentimiento de kurdo en un país que no considera que sea el suyo.

www.erkan-ozgen.blogspot.com

Es investigadora y productora cultural. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y Master en Comisariado en el Goldsmiths College, Universidad de Londres. Su trabajo se plantea a partir de las articulaciones entre la práctica artística y la teoría crítica asociada a los feminismos, la transformación del espacio urbano y la cultura visual.

Su proyecto desarrolla una investigación con el objetivo de realizar una cartografía sobre las prácticas artísticas colectivas de orden social en Estambul, con la intención de generar una reflexión sobre nuevas formas de representar lo individual y lo colectivo. La formalización del proyecto se basa en una página web y diversas publicaciones, presentaciones y conferencias sobre la investigación.

Texto para descargar (PDF):
“Notas generales al trabajo de investigación”, Montse Romaní. 

Cevdet Erek
octubre-noviembre 2008

Artista, músico y arquitecto, es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Mimar Sinan de Estambul y estudió en el Centro de Estudios Avanzados en Música en Estambul y en la Rijksakademie en Amsterdam. Utiliza sonidos y ritmos, movimiento de imágenes y objetos, construcciones y performaces, para crear intensas experiencias capturando y reformulando espacios y situaciones. Cevdet Erek ha mostrado sus obras en el Museo Stedelijk CS, en la Bienal de Estambul, en el ZKM (Centro for arte and media Karlsruhe), en Platform Garanti, en V2_ (Institute for the Unstable Media de Rotterdam), Martin Gropius Bau (Festival de Berlín), IFA Gallery (Sttutgard y Berlín), en el MOMAS (Museum of Modern Art Saitama), y en el Living Art Museum de Reykiavik, entre otros.

Durante su estancia, intervino en el espacio virtual de Can Xalant -su página web- modificando algunas de sus imágenes para generar una nueva visión personal del centro. También realizó una estructura efímera para el patio del centro, Shading Monument for the artist, una construcción escultórica y arquitectónica en la que la estructura es un texto que sólo se puede leer cuando se proyecta en forma de sombra, y qu en 2011 fue expuesta en la Tate Modern de Londrés y en el centro Darat al Funun de Amán, Jordania.

http://cevdeterek.wordpress.com/

Jasmina Llobet y Luis Fernández Pons viven entre Berlín y Barcelona, y trabajan como colectivo artístico desde 2002.
El proyecto desarrollado en Estambul fue Towelflag, una intervención efímera en el espacio público de Estambul. Una pieza de unos 60 metros de toalla blanca colgada de dos astas preexistentes en la fachada de la antigua sede del Platform Garanti Contemporary Art Center, situado en una de las calles más populares de Estambul. Las banderas blancas caen desde las astas –ubicadas en el tercer piso– y entran por las ventanas del primer piso, cruzando habitaciones y pasillos hasta llegar al baño, donde acaban colgando de un toallero, pudiendo ser utilizadas como toalla de mano. En medio de una ruidosa explosión de vendedores, luces de neón y de la abrumadora cacofonía visual y acústica de esta calle, Towelflag se presenta como un trabajo bastante tranquilo y parcialmente oculto, accesible en su totalidad sólo por el guardia de seguridad del edificio, la única persona que puede utilizar la bandera como toalla.

http://www.jasminallobet.net/

Yasemin Özcan Kaya
septiembre-octubre 2009

Graduada por el Departamento de Cerámica de la Universidad Mimar Sinan, de 2005 a 2007 participó en el programa de intercambios desarrollado en North-Rhine Westphalia, Alemania.
Su trabajo se basa en la intersección del arte y la política, la sociedad civil, las políticas culturales y sociales, así como en las identidades de género.
Sus proyectos más recientes se componen fundamentalmente de instalaciones fotográficas y de vídeo.
Durante su residencia en Can Xalant realizó el proyecto Teorías de la vida cotidiana. El proyecto se centró en detectar los pequeños detalles y manías que algunas personas, al realizar una tarea cotidiana –hacer galletas, diseñar muebles o poner la ropa en orden– desarrollan con una maestría casi obsesiva. El resultado será un vídeo que hablará sobre estos trabajos cotidianos aparentemente insignificantes que se convierten en significativos según quién y cómo se hagan.

http://www.yaseminozcankaya.com/

Artista visual, es profesor del Pole Arts Action, HEAD (Haute École d’Art et de Design) en Ginebra, y responsable pedagógico en la École Superieure de Beaux-Arts de Perpiñán. Vive y trabaja en Barcelona, Ginebra y Perpiñán. Desde hace años los proyectos artísticos de Josep-Maria Martín están centrados en crear desde el arte nuevas estrategias de intervención en ciertas estructuras consolidadas en la sociedad actual, pero no por ello carentes de fisuras. Con una voluntad subjetiva y reflexiva, cuestiona y critica la realidad sobre la que decide trabajar. Sus piezas hacen hincapié en la idea de proceso, investigación, participación, implicación y negociación, haciendo que los agentes identificados para cada proyecto se conviertan en verdaderos generadores de un proyecto común.

Durante su estancia en Matucana 100 el artista realizó los proyectos Made in Chile y Un techo para Chile.

Texto para descargar:
“Made in Chile | Un techo para Chile”, Josep-Maria Martín.

www.josep-mariamartin.com

Walmor Corrêa
Intercambio con Base 7, São Paulo
octubre-noviembre 2008

El primer contacto real del artista con el arte tuvo lugar a partir de las clases de ciencia y biología en la escuela. Las disecciones y el estudio de la anatomía de pequeños animales, los estudios sobre la flora y la fauna amazónicas y la observación de las pinturas y dibujos científicos tradicionales de los museos de historia natural, serán sus fuentes de inspiración. Walmor Correa pinta seres totalmente fantásticos basándose en mitos y leyendas de Brasil. Durante su estancia en Can Xalant el artista realizó el proyecto Salamanca do Jarau: partiendo de una leyenda antigua del sur de Brasil -que habla de una princesa mora que llegó a Brasil desde Salamanca y que por un hechizo de un brujo indio se convirtió en un ser híbrido, mitad mujer, mitad salamandra, la Salamanca do Jarau o Teiniaguá- el artista trabajó con mujeres del barrio de la Mina de Barcelona que soportan situaciones de exclusión social, estableciendo un paralelismo entre el personaje de la leyenda popular y la vida de estas mujeres.

www.walmorcorrea.com.br

Licenciada por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, ha realizado el Máster de Estudios de Mujeres, Género y Ciudadanía de la misma universidad.

Su trabajo se centra en provocar la reflexión sobre aspectos sociales relacionados con la situación de la mujer en el mundo, a través del video, la fotografía o las instalaciones, combinando estrategias del periodismo, el documental o el arte conceptual con dinámicas del trabajo social.

Durante su residencia en São Paulo realizó el proyecto Eu Brasileira –una reflexión sobre cómo el estereotipo de la mujer brasileña proyectado en los medios de comunicación afecta a las propias mujeres brasileñas– en el que participaron 38 mujeres de diferentes edades y clases sociales, que fueron entrevistadas sobre la relación de este estereotipo. Posteriormente se realizaron debates y una exposición con las fotografías y los videos grabados.

Claudia del Fierro
Intercambio con Matucana 100, Santiago de Chile
septiembre-octubre 2009

Licenciada en Arte por la Universidad de Chile, sus últimos proyectos han estado relacionados con grupos o comunidades acotadas, trabajando desde la búsqueda de un conflicto. Su obra tiene un carácter performativo. El comportamiento de grupos humanos y la relación centro-margen es una constante de su trabajo.

Durante la residencia en Can Xalant trabajó con registros relativos a la ocupación temporal del espacio público por parte de los grupos gitanos migrados recientemente y la diferencia con que se identifica el pueblo gitano de la hegemonía del entorno local donde habita. Esta diferencia y sus connotaciones en el entorno local fue el hilo conductor.

Tras una búsqueda exhaustiva, surgió el guión para un video que aborda el tema de las diferencias, no sólo las diferencias de grupos étnicos que son marginados, sino también las diferencias como ne- cesidades para construir identidad, para sobrevivir como colectivo, para producir programas de cultura, para permitir la producción de arte contemporáneo. Tanto este material como los registros de paisajes y recorridos configuran una video-instalación que fue el resultado final del proyecto.

Colaboran: Asociación Cultural Gitana de Mataró y el Maresme, Asociación de Vecinos del Pla d’en Boet, Aula de Teatro de Mataró.

http://www.claudiadelfierro.org

Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá y por la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París. Destacan de su carrera artística algunos premios, becas y residencias internacionales así como un largo currículum expositivo.

Un cuento personal, es el proyecto de Ana Patricia realizado durante su estancia en Can Xalant, a partir de entrevistas registradas en vídeo efectuadas a diferentes ado- lescentes. Durante su estancia, también editó el vídeo Coming to blows.

-Un cuento personal-
Surge desde la narrativa, del contar, de historia de vidas en las que los adolescentes de diferentes procedencias, narran, cantan, opinan y transcriben sus vivencias y experiencias personales acerca de su sexualidad en su día a día. ¿Cuándo una fantasía se convierte en un sueño o en una pesadilla? ¿En un hecho y una realidad? Entrar en esa otra realidad que viven las adolescentes en nuestra cultura, entender por qué se produce, dónde está el “no futuro” o el “futuro imaginado” de las adolescentes que traen al mundo seres humanos, como muñecos con quien jugar. ¿Por qué las adolescentes centran su futuro y su seguridad afectiva en un otro imaginado? El hombre, que, en la gran mayoría de los casos, en nuestra cultura y cuando se es adolescente, se convierte en un fantasma cuando les cae esta realidad encima. El video y la obra gráfica son un registro, donde los adolescentes visualizan un sueño y una cotidianidad, que puede estar tan equivocada como la verdad que ella conlleva.

Ana Patricia Palacios

Verónica Aguilera
julio 2007

Licenciada por la Universidad de Bellas Artes de Sant Jordi de Barcelona, vive y trabaja entre Mataró y Frankfurt. Su trabajo se enmarca en proyectos relacionados con el arte público de intervención crítica e interacción social. Tiene una larga trayectoria de exposiciones. El resultado de su trabajo fue el proyecto No me digas ke fue AMOR, un proyecto de intervención en el espacio público, con la colaboración de los propios ciudadanos de Medellín.

-No me digas que fue amor-
El proyecto pretendía indagar en las problemáticas sociales de la ciudad de Medellín preguntando directamente a la gente: “Y ustedes ¿qué problemas tienen?”, con el propósito de confrontarnos tanto con las problemáticas subjetivas o personales como con las de carácter más universal.
Se vende problema fue una de estas propuestas. Un proyecto abierto a toda clase de públicos, con la colaboración de los ciudadanos, de sus instituciones, de las escuelas y, especialmente, de las chicas adolescentes. Durante los 15 días del laboratorio, se recogieron, con un display diseñado para la ocasión, más de 3.000 problemas de procedencia dispar. Se trata de un acto simbólico en el que la persona que escribe el problema lo exterioriza para así desprenderse de él.
La propuesta se formalizó con una serie de pósteres y un mural pintado en el exterior que reflexionaban sobre cada intervención y planteaban los pilares fundamentales de la problemática abordada durante el laboratorio: la educación desde la institución, la mercantilización y el uso de los problemas personales para el consumo y la utilización de los espacios de intimidad y privacidad de los o las jóvenes adolescentes. Finalmente, el proyecto se complementó con un quiosco lleno de todos los problemas, que se trasladó de un lugar público al vestíbulo del Centro Colombo Americano. En el centro, se invitó al público a comprar uno de los problemas ajenos recogidos y a reflexionar sobre él: ¿Le parece un problema banal? ¿Se siento identificado con él? ¿Piensa que tiene solución? ¿Lo cambiaría por uno suyo?
Todo el conjunto, es decir, los displays llenos de problemas, el mural, los pósteres y el quiosco, forma un círculo de relaciones que invitan a pensar en el espacio público como lugar de materialización de nuestras propuestas artísticas y creativas.

Verónica Aguilera

El laboratorio al que se integraron los dos artistas seleccionados fue Latin kings – Inclusión de la juventud en la construcción comunitaria. Tanto el artista catalán como el artista colombiano participaron en las actividades (talleres, producción de obra con la comunidad, seminarios intensivos con estudiantes universitarios …) y desarrollaron una propuesta plástica y visual con la comunidad durante el tiempo de trabajo conjunto.

Sí o què? es un proyecto que forma parte del trabajo que Miquel García, el artista catalán seleccionado para hacer el intercambio, realizó en Medellín, juntamente con el artista colombiano seleccionado, Fredy Serna.

Todo el proceso de investigación y producción que supone el intercambio finalizó con la estancia de Fredy Serna en Can Xalant, donde trabajó conjuntamente con Miquel Garcia en la organización de la documentación obtenida durante todo este proceso y la formalización de una exposición en el mismo centro, Mi casa es tu casa.